Sarà inaugurata domenica 2 novembre 2014, alle ore 18.00, presso La Casa di Schiele – associazione culturale di Sara Cancellieri e Igor Verrilli, in via San Gaetano 16, a Benevento – la mostra 13×18, a cura di Mario Francesco Simeone.

Alla collettiva parteciperanno Antonio Barbagallo, Angelo Barile, Paul Beel, Silvia Beltrami, Valentina Biasetti, Gabriela Bodin, Barbara Bonfilio, Simona Bramati, Sara Cancellieri, Gianluca Capozzi, Antonella Casazza, Vito Centonze, Adele Ceraudo, Pierluca Cetera, Gabriella Crisci, Vincenzo Last22 D’argenio, Salvatore Daddi, Fabrizio De Cunto, Mario Edoardo Dominguez, Roberta Feoli, Clare Galloway, Cristina Iotti, Arianna Lion, Savina Lombardo, Mario Loprete, Anna Madia, Pietro Marchese, Jara Marzulli, Klaus Mehrkens, Sagan Newman, Ferruccio Orioli, Alessandro Papari, Samuele Papiro, Francesca Romana Pinzari, Jerome Pouwels, Dora Romano, Giuliano Sale, Lele Sgambati, Milena Sgambato, Tina Sgrò, Vania Elettra Tam, Elisabetta Trevisan, Giuseppe Vaccaro, Valentina Zummo.

Il percorso espositivo sarà scandito da opere realizzate da artisti italiani e stranieri, tutte di 13×18 cm, la misura della stampa fotografica tradizionale e della cartolina per la corrispondenza. Fulcro tematico dell’esposizione, infatti, sono le possibilità comunicative e i modi della rappresentazione peculiari del piccolo formato. Così, l’immagine e il supporto, come sovrapposizione di spazio fisico e ideale, esprimono un’estetica del segno minimale che, da un lato, limita l’eccesso d’informazione, dall’altro, amplia il processo cognitivo, instaurando un aperto rapporto dialogico, tra l’opera e il fruitore.

L’itinerario fruitivo sarà dinamico e immersivo, spaziando tra tecniche eterogenee, dalla grafica alla pittura, e stili diversi, dall’astrazione al realismo. Linguaggi differenti per contesti, generazioni e ispirazioni, dialogheranno nello spazio della galleria. La narrazione visiva, diffusa ritmicamente sulla superficie architettonica, diventerà un codice da interpretare, secondo le infinite e imprevedibili enciclopedie di chi crea e di chi osserva.

Dal testo critico:
“Lo spazio del supporto impone un taglio visivo e concettuale all’immagine. I maestosi cicli che decorano le cattedrali, raccontano una storia imponente ma dai contorni ben definiti, entro i quali l’atto dell’interpretazione è annullato, in favore di una visione statica, dettata da un’autorità totalizzante. Al contrario, la rappresentazione estesa su una superficie estremamente concentrata, ha le forme di un processo costante, perché crea un moto percettivo perpetuo tra apertura e chiusura. Infatti, le informazioni veicolate dalla superficie minima, suscitano, con naturalezza e discrezione, la curiosità del fruitore che è chiamato ad agire nella profondità dell’immagine, oltre ciò che si vede, per completarne il senso.”
La mostra sarà visitabile fino all’8 dicembre 2014.

Si ringraziano:
Linea d’Arte Produzioni Cornici, di Umberto Meola
Incas Caffè, di Simona e Vincenzo Donatiello

Per maggiori info
lacasadischiele.blogspot.it
La casa di Schiele

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Chi è interessato può comunicarci eventuali modifiche da apportare alla seguente ipotesi.

“È l’occasione – ha affermato Creta – per aprire il territorio e con esso le esperienze creative vive oggi a Benevento e nel Sannio al confronto con artisti provenienti da altre culture, tessendo una rete di relazioni e di scambio che certamente saranno forieri di nuove prospettive”.

L’evento si collega idealmente alle iniziative messe in atto presso il Museo ARCOS di Benevento, riconfermando quanto la provincia sannita possa essere fonte d’ispirazione e palcoscenico per artisti locali e non solo. Nasce dall’interazione la spinta di tredici artisti a scegliere Guardia Sanframondi per parlare al mondo con la loro arte. Né la provenienza, né il percorso artistico accomuna i protagonisti di quest’evento bensì la scelta di un luogo: Luca Campus, Sara Cancellieri, Gabriella Crisci, Giacobbe Falato, Fabio Franzese, Carmine Carlo Maffei, Garrik Maguire, Italo Mustone, Thomas Neale, Aleksander Pushaj, Milena Sgambato, Giovenale Tresca e Igor Verrilli hanno eletto Guardia luogo ideale per sostenere l’idea che le culture possono interagire tra loro, che le realtà geografiche possono interagire tra loro, che gli artisti possono interagire tra loro e ancor meglio che questa interazione, straordinariamente naturale, è l’essenza primaria di un mondo che cresce nella cultura. Le barriere si annullano e dalla provincia si comunica con realtà lontane.

L’arte ha la capacità di parlare un linguaggio universale e niente più dell’arte può consentire il dialogo tra culture, con l’apertura verso nuovi orizzonti e la conoscenza di ciò che al di là del piccolo mondo, ogni singolo individuo può percepire. Gli artisti in mostra portano un bagaglio di vita, con le proprie esperienze professionali, comunicando sentimenti e pensieri differenti…. Tutti hanno trovato un approdo in questa piccola realtà di provincia che, con Interazioni illusorie non è più tale: Guardia diventa idealmente ogni luogo della Terra dove è possibile andare oltre, creare interazione… dove ogni essere umano può trovare nell’arte la strada per aprirsi al mondo. Il rapporto tra un artista e un luogo può diventare speciale, interagendo con quanti condividono la stessa esperienza. Scoprire un territorio significa coglierne il fascino che lo stesso può esercitare a prima vista; di sicuro, tutti gli artisti presenti a Guardia sono presi dall’atmosfera magica delle terre sannite. La mostra di Guardia Sanframondi ci aiuta a prendere coscienza di questa ricchezza e a condividerla ben oltre i confini della provincia stessa.

Guardia Sanframondi, Castello 26 luglio – 31 agosto 2014
Aperta tutti i giorni dalle 18,00 alle 21,00

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Dopo lo spettacolo cuHop Suite, la serata proseguirà con un aperitivo e con la possibilità per tutti i partecipanti di interagire con le lampade, che si tratti della voce, del battito delle mani o della musica salvata sul proprio smartphone la reazione è sempre la
stessa: divertito stupore!

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Roberto Longhi, che a partire dai primi decenni del Novecento ne fece oggetto di approfonditi studi, attribuì a Caravaggio anche il ruolo di caposcuola di un notevole gruppo di artisti, i cosiddetti caravaggeschi, e, pur evidenziando la sua derivazione dagli orientamenti nordici verso il naturalismo, presenti nell’ambiente bergamasco di origine (era stato allievo del Petersano e aveva verosimilmente conosciuto i ritratti accuratissimi del Moroni, qualche notturno del Savoldo, oltre alle raffinate raffigurazioni di Lorenzo Lotto), lo giudicò un radicale modernizzatore dell’iconografia cristiana e l’inventore di un nuovo modo di intendere la realtà. Altri critici lo hanno perfino considerato un anticipatore del realismo novecentesco e, in genere, hanno messo in relazione il profilo inquieto e ribelle della sua vita con la singolarità della sua produzione artistica. Federico Zeri lo ha ritenuto l’iniziatore del naturalismo, distinguendo con sottili argomentazioni tale definizione dal verismo di marca germanica e dal realismo classicista.

Tuttavia l’immagine di geniale maudit e di precursore della sensibilità moderna sembra più dovuta all’eccessiva attenzione che la critica contemporanea  ha dedicato alla dimensione esistenziale degli artisti, quasi fosse possibile stabilire un rapporto di causa ed effetto tra le loro condizioni di vita e l’attività compositiva. E’, dunque, in parte un’eredità del romanticismo e, insieme della visione marxista dell’arte. Entrambi interpretano la produzione artistica come esclusiva manifestazione di individualità che assume significato nella caratterizzazione della Weltangshauung di un’epoca o dell’ideologia di un intero sistema politico.

Le ricerche più recenti tendono ad abbandonare questo metodo controverso di classificazione e a porre in maggiore evidenza l’appartenenza dell’artista a ristretti circoli culturali, a una limitata cerchia di committenti, che lo condizionano, e a modelli linguistici ben definiti, tenendo comunque, conto che egli intrattiene con la realtà un rapporto per lo più indiretto, anche quanto tutto sembra dimostrare il contrario. L’artista, in fondo, è destinato a comunicare attraverso le sue opere e per ognuna di esse attinge alla profondità del suo essere. Attraverso questo inevitabile processo di introversione viene prodotta l’immagine della realtà o quello che noi accettiamo come tale, anche quando, come nel caso di Caravaggio, sembra scaturire da una cosciente intenzione mimetica.

Che cosa distingue, in tal senso, il nostro Michelangelo Merisi?

Innanzitutto il suo netto superamento di quella visione scientifica dello spazio di rappresentazione, che aveva influenzato tra gli altri Piero della Francesca, Antonello da Messina, Paolo Veronese, Raffaello e Giovanni Bellini e che li aveva indotti a collocare ogni elemento della composizione in uno spazio virtuale ben delimitato, perfettamente leggibile e costruito mediante l’applicazione rigorosa delle regole della prospettiva, fino a costruire virtuosistici, stupefacenti scenari e sfondi.

Caravaggio, invece, tende progressivamente a collocare i suoi personaggi in uno spazio quasi indeterminato, ad evocarli dall’ombra come se stessero su un palcoscenico di un ridotto teatro, privo anche della illusoria profondità dei fondali, e a farli intercettare da una pluralità di luci radenti non identificabili. I suoi quadri danno quell’effetto di sorpresa che si ha quando si alza il palcoscenico e al buio d’improvviso le facce degli attori si illuminano, insieme ai loro studiati gesti.

C’è, pertanto, nel suo modo di raffigurare il recupero dell’esperienza teatrale e l’accorgimento di lasciar vedere solo ciò che serve a comunicare la sostanza dell’evento cruciale di una storia. La realtà si riduce così all’emozione del momento, all’apparenza del fatto rappresentato che, soprattutto negli ultimi anni della sua vita,  viene depurato da ogni componente allegorica e simbolica superflua, da ogni connotazione colta, la cui lettura comporti una conoscenza esoterica o, comunque, sofisticata.

Per dare maggiore efficacia a tale scelta Caravaggio si avvalse di figuranti presi dalla strada o dagli ambienti popolari che amava frequentare. Di questi soggetti sottolineò la rustica fisicità, le fisionomie sofferenti e l’ordinaria gestualità. In ciò portò alle estreme conseguenze l’eredità di alcuni grandi artisti che lo avevano preceduto, i quali come Hieronymus Bosch, Bruegel il Vecchio,  Antonio Moro e lo stesso Albrecht Durer (di quest’ultimo si veda l’impietoso ritratto della madre) non avevano esitato a riprodurre sulla tela gente dall’aspetto decisamente comune e perfino deforme. Ma sarebbe il caso di chiedersi perché i committenti di Caravaggio, che furono, è bene ricordarlo, cardinali, alti aristocratici e importanti istituzioni religiose, accettarono di acquistare quadri in cui si riconoscevano cortigiane, prostitute, una di queste raffigurata perfino con la pancia gonfia per morte da annegamento, oltre a turpi ubriaconi, rugosi contadini e feroci masnadieri. A Roma egli fu ospite del cardinale Dal Monte e frequentò Ferdinando de’ Medici, Pietro Aldobrandini e Alessandro Montalto. La risposta non si può trovare solo nel talento elevatissimo del Merisi che sublimava ogni cosa, anche particolari allusivi alla sua ambivalente sessualità. Bisogna cercarla, necessariamente, anche nel particolare clima culturale e religioso instauratosi a seguito della conclusione del Concilio di Trento. Come dimenticare le Istruzioni del card. Carlo Borromeo che accoglieva la scelta nordica e protestante del naturalismo, opposta alla tradizione celebrativa del ritratto italiano e raccomandava una pittura aderente al vero, semplice, devozionale, didascalica ed efficace nella comunicazione del messaggio cristiano? Come ignorare l’eclisse del platonismo che aveva innervato gran parte della pittura rinascimentale e le stesse opere di Michelangelo? Neppure si può sottovalutare l’azione concreta di vescovi e alti prelati nell’orientare le scelte artistiche, come nel caso del cardinale Paleotti, il quale nel suo Discorso intorno alle immagini sacre e profane del 1582 aveva prescritto: “…si dovrà curare che la faccia od altra parte del corpo non fosse fatta più bella o più grave da quella che la natura in quell’età ha conceduto, anzi, se vi fossero anco difetti, o naturali o accidentali che molto la deformassero, né questi s’avriano a tralasciare…”.

A tale orientamento si attenne palesemente Caravaggio che, dunque, rientra, nel novero degli osservanti della riforma tridentina ma con una sua particolare cifra stilistica e capacità di rimeditazione dei temi religiosi in chiave popolare che non si può ricondurre meccanicamente alla sua inquietudine temperamentale, alle pericolose vicende affettive, all’oscuro impulso ad esporsi ai rischi sfidando tutto e tutti. Caravaggio ha tratto sicuramente ispirazione dalla sue scelte di vita, dalla sua solitaria e temeraria esistenza, ma per derivarne una personale idea del male e della sofferenza. Un raggelante pessimismo matura in lui e per noi assume il senso di un’anticipazione dell’esperienza moderna. Lo si riscontra soprattutto in alcune opere quali il Martirio di San Matteo, la crocifissione di San Pietro, la morte della Madonna e la decollazione del Battista. In esse il male vi appare nella sua cruda ordinarietà, come se la morte che viene osservata in quelle scene fosse una faccenda quasi banale. Il carnefice di san Matteo è addirittura rappresentato con sembianze atletiche, di un’equivoca bellezza, quasi anticipatrice delle trafitture estatiche delle vergini barocche. Il boia del Battista sembra un macellaio concentrato su un taglio particolarmente difficile che intende effettuare col dovuto mestiere indifferente ai tormenti della vittima. La medesima ossessiva attenzione agli aspetti pratici dell’esecuzione si intravede nella crocifissione di san Pietro che guarda annichilito quel gelido affaccendarsi  intorno al suo corpo sospeso. Infine i personaggi che circondano la Madonna defunta sembrano più che altro disorientati come se si stessero interrogando sulle cause di quella fine.

Caravaggio non è il solo pittore dalla vita turbolenta. Lo fu anche il Cerano suo contemporaneo. Ma in Michelangelo Merisi la violenza che lo tormentò senza tregua si trasformò in uno straordinario riscatto estetico del negativo e non in una sorta di esibito grandguignol.

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La foto è stata scattata da Luciano Ferrara durante una visita al Pio Monte della Misericordia di Napoli, in occasione del Brunch Baratto presso lo studio fotografico di Luciano Ferrara organizzato, il 16 marzo 2014, con il GAS Arcobaleno Benevento, Art’Empori, Gli Enogastronauti e Mustilli. Sul Caravaggio e su “Le sette opere di misericordia” ha introdotto lo scrittore napoletano Michele Serio (nella foto). Breve intervento anche del beneventano Maurizio Cimmino, storico dell’arte. 

• www.miart.it

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a cura di Rosaria Désirée Klain e Giuliana Ippolito per l’Associazione Culturale Periferie del mondo – Periferia Immaginaria

29.03.14
ore 10.00 – 19.00
Sala delle colonne, primo piano

In occasione del mese di marzo, dedicato alla donna, il MADRE propone una giornata per festeggiare la figura femminile e portare l’attenzione su un tema di drammatica attualità, quale quello della violenza nei confronti delle donne. Chi sono oggi I Miserabili? Parafrasando il capolavoro di Victor Hugo, il progetto ribalta la prospettiva consegnataci dalla cronaca e porta l’attenzione del pubblico non verso le vittime delle violenze ma verso i loro carnefici spesso invisibili. Una selezione di immagini fotografiche mostra i volti invisibili di chi è autore della violenza, la miseria umana, lo squallore di un’esistenza che distrugge e si autodistrugge, annientata dalla follia di un gesto.

Il concept fotografico “I Miserabili” a cura di Stefano Renna, ideato e diretto da Désirée Klain, è il risultato di un accurato lavoro di ricerca; un lavoro reso possibile grazie all’apporto di reporter, psicologi, cronisti di giudiziaria e avvocati.
In museo sarà presentato anche un corner concepito e realizzato da Giuliana Ippolito, una sorta di “sfogatoio” dove tutti i visitatori potranno portare nella giornata del 29 marzo un oggetto simbolicamente liberatorio rispetto alle violenze che ognuno a suo modo ha subito o continua a subire nel proprio quotidiano.

Previste nella giornata del 29 marzo, dalle ore 10, anche due performance che coinvolgeranno il visitatore invitandolo a riflettere sulla orribile realtà della violenza, con l’intervento dell’artista spagnola Gema Ruperez e dell’artista italiana Barbara Bonfilio. ”Le donne a differenza degli uomini – affermano ancora le curatrici – conservano oggetti ed emozioni. L’invito a tutte le donne a liberarsi di questo carico attraverso la performance artistica rappresenta un retrocedere rispetto a odi e violenze, una rappresentazione fisica di una memoria collettiva”.

Durante la presentazione è infine previsto un intervento dello scrittore Maurizio De Giovanni, che proporrà un racconto inedito contro il femminicidio, scritto appositamente per la manifestazione.

Ingresso gratuito al Museo per tutte le donne.

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Dal 15 marzo al 12 aprile 2014 si terrà a Benevento, presso la Casa di Schiele, la mostra personale di Vincenzo Cosenza dal titolo “Cacciatore di bolle”, progetto ideato e prodotto dalla galleria GiaMaArt studio e curato da Simona Barucco.

L’asimmetria è ciò che determina l’unicità dell’individuo vivente, ne consente la stabilità e la rigenerazione. Un corpo, esteriormente asimmetrico, è come se lasciasse trasparire in superfice parte delle risorse interiori. E’ come se portasse all’esterno il grande messaggio della vita rendendolo visibile e non ignorabile.
Vincenzo Cosenza affronta questo tema con inquietante lucidità. L’uso di pigmenti in polvere e acquerello, olii su tela, carta e tavole ingessate producono uno straniamento nell’osservatore che guarda all’opera cercando una figurazione non ostile, ma restandone subito sconcertato. L’artista non omette ma al contrario esalta, in un continuo gioco di ombre, luci, riflessi, false trasparenze, apparenti cinetismi, le anatomie proiettate al futuro, non più condizionate dall’impossibilità dell’ordine, ma libere e già pronte al passo successivo. L’ibridazione tra naturale e artificiale è una realtà sempre più presente. Ove non arriva l’uomo biologico, arriva l’uomo tecnologico: nei lavori questa dimensione è appena accennata. I piccoli oggetti che “arredano” gli spazi angusti e strettamente circoscritti nei quali gravita e si muove la figura, sono solo un indizio, in una chiave figurativa, di questi nuovi mondi estetici in cui realtà e finzione, artificiale e reale sono separati da un confine sempre più sottile, fino a confondersi in una totale perdita di differenza nella quale è sempre più difficile distinguere l’organico dal postorganico, l’originale dal clonato.

VINCENZO COSENZA Cacciatore di bolle
a cura di Simona Barucco
inaugurazione sabato 15 marzo, ore 18.00
La Casa di Schiele, via San Gaetano 16, 82100 Benevento

info: Email: lacasadischiele@libero.it • Tel. 340 055 1665
dal 15 marzo al 12 aprile 2014
orari: dal lunedì al sabato, dalle ore 16.00 alle 20.00
progetto ideato e prodotto dalla galleria GiaMaArt studio
info: Web: www.giamaartstudio.it, Email: info@giamaartstudio.it, Tel. 338 9565 828

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Sabato, 8 marzo 2014, ore 19.00, presso la galleria SWING di Benevento, si apre Frozen #1, la nuova collezione della designer Coreana residente a Londra Jungin Lee (Gwang-ju 1985).

Da allora è stato sviluppato ed esposto alla Dutch Design Week, Milan Design Week e al London Design Festival. Questa ultima collezione, prodotta in occasione della sua prima mostra personale presso la Galleria SWING, consiste in una serie di sedute, sgabelli e lampade. Ogni pezzo è unico e realizzato a mano.

Frozen #1 esplora una nuova modalità processuale di creare oggetti da arredamento. Affascinata sia dal procedimento industriale che da quello manuale, Jungin Lee prova a combinarli insieme, sperimentando materiali e tecniche, così come nuove caratteristiche estetico – formali.

Ispirandosi alla tecnica origami, ogni pezzo Frozen viene prodotto individualmente con una capacità di modularsi che genera una forma inaspettata; la designer trasforma un procedimento industriale in un procedimento manuale. Il risultato è la realizzazione di oggetti dalla dimensione narrativa, fragili al primo impatto, nei quali vengono esaltate l’essenza dei materiali e la bellezza delle forme irregolari. Il suo approccio sperimentale rivela un’attitudine a esplorare una moltitudine di aspetti del design, come la creazione di scenari futuri, nuovi procedimenti produttivi e ruoli performativi dei materiali.

Jungin Lee è nata a Gwang-ju (Corea del Sud) nel 1985. Vive e lavora a Londra

Mostre: 2013 Made by WORKS, Clerkenwell, London design festival, UK ; WORKS, Ventura Lambrate, Milan, Italy
2012 RCAcollectives, Dutch Design Week, Eindhoven, The Netherlands; RCA Summer Show, London; Bureau Oddysey, Design March, Reykjavik, Iceland; Cinema, WIP Interim Show RCA, London 2011 The Copy Kitchen, Christie’s London;  DMY International Design Festival, Berlin, Germany; 2010 Loosing Blue, WIP Interim Show RCA, London 2009 Kyunggi Gagu, Korea Furniture Fair (KOFURN);Seoul Living Design Fair, Korea; Interflow Exhibition, Moma, Hongik University, Seoul, Korea 2008 Designers Party ‘We need more’, SangSang Madang, Seoul, Korea 2007 ‘Artbook Project with Craft Chairs’, SangSang Madang, Seoul, Korea; Graduation Exhibition (B.F.A) Moma, Hongik University, Seoul, Korea; 15 Young Artists, Korea Furniture Fair, Seoul, Korea; 2006 National Assembly Exhibition, Seoul, Korea; Seoul Living Design Fair, Korea  Premi: 2009 First Prize, Kyunggi Furniture Design Competition; 2004 Special Prize, KOSID Living Design Competition

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… materiali forse inconsueti ma comunque di uso comune, spesso di risulta (fili di ferro arrugginito di una vigna dismessa, terra, stucco, sabbia, legno) e talvolta riesumati oggetti raccolti per caso, ai quali viene conferita nuova vita.
Posta, dunque, questa condizione di essenzialità, fatta di colori quasi primari e di materia povera, l’autore libera le proprie recondite sensazioni, lasciando che lo spettatore ne fruisca in maniera disincantata e scevra da qualsivoglia forma di condizionamento interpretativo.
Libera è la tecnica, libera è la forma, libero è l’uso dei materiali, nessuna ricerca di effetti speciali, ovunque il segno di una introspezione dovuta, più che voluta.
Emerge, così, l’inquietudine del proprio io, sempre permeato dalla dualità tra quello che si vuole e quello che si deve, tra la libertà e l’obbligo, tra il caos e l’ordine precostituito, tra il tormento e la gioia.

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Note di Art’Empori
Materia prima perché il percorso dell’artista, sebbene di professione avvocato, si è nutrito della ruralità del territorio sannita.
Parlare di materia prima nella pittura realizza un ponte tra arte ed economia reale, tra cultura intellettuale e cultura materiale.
Commistioni care al movimento di Art’Empori che pretende un’arte calata nelle emergenze economiche e ambientali del nostro secolo.

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Per promuovere un nuovo fruitore che sia responsabile anche nei consumi, a Benevento, lontano dai riflettori e dai palcoscenici, si sta sperimentando un’innovativa forma di aggregazione artistica che origina dal cibo e dai suoi riti: è la cenabaratto che, ogni venerdì sera, dopo la consegna del GAS Arcobaleno (Gruppo d’Acquisto Solidale), presso la libreria indipendente Masone di Benevento, realizza un presidio territoriale nato per resistere alla crisi economica. Per parteciparvi basta barattare un cibo cucinato, una performance artistica, un sapere concreto o un’esperienza di vita che inneschi il cambiamento. Accomunati dalla stessa tavolata, eliminate le barriere tra attore e fruitore, tutti, contadini e artisti, consumatori e spettatori, partecipano da coautori della serata, ognuno fruitore dell’altro, esercitandosi a una cittadinanza non delegata nel mondo.

Qui, l’artista, non essendo più su un palco che lo separa dallo spettatore e dal suo mondo quotidiano, in questa resistenza partigiana del XXI secolo, si allea all’economia reale. Ogni artista, oggi, è chiamato a contrastare il modello di sviluppo intermediario e sovraterritoriale che, ormai tramontato, sopravvive aggredendo sempre più le identità e i redditi dei territori. In questo senso, Art’Empori promuove un’arte di filiera corta.

L’attuale crisi è complessivamente dovuta a un’economia dei servizi che, da accessoria, è diventata prevalente sull’economia reale. L’artista non può restare passivamente parte di quella economia di intermediari che grava sui piccoli soggetti dell’economia reale. Quando assistiamo a uno spettacolo che necessita di fondi istituzionali o di strutture pubbliche, dobbiamo sapere che anche quello spettacolo fa parte dell’economia accessoria e intermediaria che grava su quella reale, quella dei cittadini. Oggi, l’artista dovrebbe individuare forme alternative e fuori dai luoghi deputati, se vuole essere promotore nel metodo, oltre che nelle intenzioni, di cambiamento e giustizia.

In questo senso, il baratto di competenze alimentari e artistiche, che avviene durante la cenabaratto, diventa fautore di una relazionalità corta tra cittadini, in quanto esente da intermediazione. Ne origina un’esperienzialità e una coesione fra i cittadini che, in un contesto convenzionale di fruizione artistica, non potrebbe realizzarsi: fino ad oggi, durante uno spettacolo, realizzato nei luoghi deputati, spesso non luoghi, ogni spettatore si è triangolato con gli altri spettatori tramite l’artista che fa sponda dal palco. Nel baratto di competenze, invece, ogni partecipante si relaziona agli altri partecipanti senza alcuna sponda, senza l’intermediazione del palco, innescando inclusione dell’altro e una cittadinanza artistica non delegata. Da qui, il passo è breve verso la cittadinanza economica non delegata e la redistribuzione dei redditi.

Si respira aria di rivoluzione culturale durante la cenabaratto visto che la presenza dei contadini, massimi esponenti del cambiamento in corso, fungendo da nuovo catalizzatore del momento creativo, sembra aver reso asfittico e superato il convenzionale rapporto tra fruitore ed artista, tra lettore e giornale, tra cittadino e intellettuale.

Una volta, per essere partecipi del cambiamento, si sceglieva la vita di artista o una carriera intellettuale, in alternativa ai convenzionali mestieri materiali. Invece, oggi, l’artista, se vuole essere coerente con il bisogno di cambiamento, deve tornare alla faticosa economia reale, quella che può salvarci dalla recessione. Artisti e intellettuali, se vogliono essere testimoni di questo tempo e delle sue emergenze, dovrebbero, direttamente o come volontari, essere anche artigiani, contadini o negozianti. Tutti piccoli attori dell’economia reale che, fatta dal basso, dal cittadino in prima persona, è oppressa dal paradigma della filiera lunga e dell’economia  accessoria: quella spersonalizzante e onerosa intermediazione fra i cittadini imposta dalla grande distribuzione e dallo stato.

Altra innovazione è espressa dalla CenaBaratto quando artisti e fruitori, montando e smontando i tavoli per realizzare la serata, si configurano anche come volontari di un GAS ma soprattutto di una libreria, immedesimandosi con i mestieri dell’economia reale.

Le cocenti emergenze di oggi pretendono un palcoscenico diffuso nel mondo reale, nella quotidianità della città, con le sue botteghe, e della campagna, con le sue fattorie.

(Estratti di questo articolo sono apparsi il 6 novembre 2013 sul portale web bMagazine).

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